변위(displacement)를 단순히 견디는 대신 의식적으로 소화해내는 예술가들에게는 특별한 종류의 자유가 생겨난다. 어떤 단일 전통에도 얽매이지 않을 자유, 자신이 온전히 계승할 수 없었던 정전(正典)에 부응해야 한다는 불안에서 벗어날 자유. 디아스포라 음악의 역사는 바로 이러한 역학으로 가득 차 있다. 음악가들이 어느 하나에 속하지 않았기에 새로운 언어를 구축해냈고, 그 뿌리 없음에서 공허가 아니라 생성의 공간을 발견했기 때문이다. 초우라이(Choulai)의 생애는 글로벌 음악 담론이 아직 완전히 다루지 못한 대화, 즉 대서양을 동서로 가로지르는 대신 태평양을 남북으로 관통하는 대화를 강제로 불러일으킨다.
'비트메이킹의 핵심은 듣기라는 행위에 있다. 녹음된 사운드를 잘게 나누고, 반복하고, 겹겹이 쌓는 과정은 질감과 시간에 대한 세심한 주의를 요구하며, 이 는 재즈 연주자가 공간과 리듬에 민감하게 반응하는 방식과 직접적으로 연결된다. 많은 재즈 인접 프로듀서들이 힙합 미학을 표면적 장식(본질적으로 전통적인 구조 위에 입힌 현대적 코팅)으로 사용하는 데 반해, 초우라이는 이 두 실천이 같은 뿌리 체계를 공유한다고 본다.'
음악가들이 직접 설립한 레이블은 업계 인물이 설립한 레이블과 카탈로그 및 커뮤니티에 대한 관계가 다르다. 이러한 레이블은 상업적 틀보다는 예술적 실천의 연장선이 되며, 따라서 내리는 결정(누구를 계약할지, 무엇을 발매할지, 작품을 어떻게 제시할지)은 시장 계산이 아닌 미적·윤리적 가치를 반영한다.
뉴욕, 런던, 그리고 이 장르의 비평적 담론의 상당 부분을 정의하는 유럽 페스티벌 서킷 외부에서 활동하는 것은 제약이자 동시에 자유입니다.
도쿄 재즈 신의 변두리, 즉 명성 있는 유서 깊은 공연장이 아니라 평판이 덜 걸린 더 작고 기묘한 공간들이 역사적으로 음악의 가장 창조적인 변형이 일어나는 곳이었다.
파푸아뉴기니의 스트링밴드 전통은 음악적 혼종화의 모델을 제시하며, 이는 구조적으로 촐라이가 작곡적으로 하는 것과 공명한다. 스트링밴드는 20세기를 거쳐 멜라네시아 공동체가 도입된 악기인 어쿠스틱 기타를 가져와 지역의 이야기, 지역의 리듬, 지역의 사회적 목적에 맞게 변형시키면서 등장했다.
음악적 기억은 항상 의식적이거나 계획적인 것은 아니다. 그것은 리듬 감각 속에, 음악이 본질적으로 무엇을 위한 것인지에 대한 사회적 이해 속에, 음악가가 본능적으로 소리와 공간, 공동체를 연결하는 방식의 질감 속에 존재한다. 출라이는 파푸아뉴기니를 특정 음반이나 특정 스승을 언급하는 방식처럼 직접적 인 작곡 영향으로 묘사한 적이 없다. 그러나 그가 음악을 집단적이고 사회적인 행위로 이해하며, 그의 작업에 항상 공동체가 구조적으로 존재하는 방식은 의식적 참조보다 더 깊이 자리 잡은 형성을 말해준다.
'추라이의 이중 실천, 즉 연주와 프로듀싱, 그리고 커뮤니티를 만들고 함께 연주하는 행위는 장면의 건강함을 개인의 창작 발전과 분리할 수 없는 것으로 보는 예술 시민의 모델을 반영한다. 이는 새로운 아이디어는 아니지만, 장면이 당연시될 수 없고 적극적으로 만들어지고 유지되어야 하는 맥락에서 더욱 분명하고 시급해진다. 재즈 비평이 자연스러운 고향으로 여기는 도시들과는 거리가 먼 도쿄에서, 파푸아뉴기니 태생의 한 뮤지션이 이전에는 존재하지 않았던 무언가를 만들어냈다. 즉, 음악이 기존의 경계를 거부할 때 무엇을 할 수 있는지에 대한 특별한 진지함을 모으는 장소를 구축한 것이다.'
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