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# 리스닝 바를 하나의 의식으로: 도쿄의 바이닐 문화가 어떻게 영국 도시들에 새로운 뿌리를 내렸는가

일본의 리스닝 바 문화 — 바이닐과 침묵, 그리고 함께 음악에 귀를 기울이는 경험을 바탕으로 형성된 — 이 문화적 경계를 넘어, 영국 도시들이 나이트라이프와 사운드를 바라보는 방식을 조용히 바꿔놓고 있다.

Christopher Norman

Christopher Norman

3분 읽기
In Sheep’s Clothing

Photo by Jersey Walz, licensed under Fair Use.

조용히 앉아 있음을 가르쳐준 레코드

오사카의 아메리카무라와 강 사이 어딘가에, 다음에 무슨 술을 마실지 고민하는 걸 멈추게 될 정도의 정확한 볼륨으로 음악을 틀어놓는 리스닝 바가 있다. 나는 레코드 가방을 든 남자를 따라 거의 놓칠 뻔한 계단을 내려가다가 우연히 그곳을 발견했다. 안으로 들어서자 주인은 존 콜트레인의 *Ascension*을 턴테이블에 올리고 있었고, 나는 음표 하나 듣기 전에 레이블을 알아봤다. 에디션 II. 임펄스! AS-95. 주황색과 검은색 레이블이 있고, 데드 왁스에 판 겔더가 손으로 새긴 이니셜이 있는 바로 그 음반이다. 나는 그 프레싱의 깨끗한 사본을 2년 동안 찾고 있었다.

에디션 II가 중요한 데는 특별한 이유가 있다. 1965년 *Ascension*이 처음 발매되었을 때, 콜트레인은 즉시 원본 마스터 테이프를 회수하고 다른 테이크로 교체해 달라고 요청했고, 그 테이크가 바로 에디션 II가 되었다. 현재 시중에서 구할 수 있는 대부분의 음반은 구매자나 판매자 모두 모르는 상태에서 에디션 II다. 자신이 가진 음반이 어떤 것인지 확인하려면 데드 왁스를 살펴보라. 에디션 II 프레싱은 A면에 스탬퍼 표기 **ASOM 95-A**가 새겨져 있다. 반 겔더가 손으로 새긴 **RVG**는 그 안쪽, 레이블 가까이에 있다. Discogs에서 1966년 미국 오리지널, 카탈로그 번호 AS-95로 필터를 설정하고 판매자의 데드 왁스 메모를 주의 깊게 읽어라. 데드 왁스 사진을 올리지 않았다면 메시지를 보내 물어보라. 자신이 가진 것이 무엇인지 아는 판매자는 즉시 답할 것이다. 모르는 판매자는 사흘이 걸려 레이블 사진을 보내줄 것이다.

오사카가 아닌 에든버러의 한 레코드점에서 2월의 화요일, 가게가 너무 추워 코트를 벗지 않은 채로 내 사본을 발견했다. 그 음반은 재즈 코너에 꽂혀 있었고, 자켓은 없었으며 대신 누군가 초록색 마커로 '콜트레인 / 어센션'이라고 쓴 평범한 흰색 판지 슬리브로 대체되어 있었다. 바이닐 상태는 육안으로 VG였는데, 이 가게의 등급 기준으로는 최소 한 번 청소되었고 수직으로 보관된 상태였다. 나는 18파운드를 지불했다. 아마 더 내야 했을 것이다. 집에 가져와서 웻 클린과 드라이 브러시를 거친 후, 표면 잡음은 거의 사라졌고, 첫 번째 재생에서 스피커를 통해 흘러나온 것은 그 음반의 평판이 암시하는 소리의 벽이 아니라 훨씬 더 무서운 것이었다: 열한 명의 뮤지션들이 큰 소리로 서로의 연주를 진정으로 듣고 있는 소리였다.

이 프레싱은 사람들이 가볍게 사용하는 의미에서 따뜻함을 지니고 있지 않다. 그것은 현존감이 있다. 반 겔더 컷은 금관악기에 하부 중역대의 무게감을 부여하는데, 이후의 재발매판들은 이를 밝은 음색으로 평탄화시킨다. 중앙에서 약간 왼쪽에 위치한 아치 쉽의 테너 색소폰은 이 프레싱에서 내가 클래식 레코드 재발매판이나 시도해본 어떤 디지털 버전에서도 재현되지 못한 물리적 질감을 지닌다. 이를 찾으려면 사이드 원의 약 7분 지점에 있는 합주 구간을 들어보라. 음의 밀도가 잠시 스스로 정돈되다가 다시 해소되는 순간이 있다. 그 순간은 공간에 따라 다르게 들린다.

오사카의 그 바에서 소리는 압도적이었다. 방은 작아서 최대 30명 정도 들어갈 수 있었고, 맨 콘크리트 벽과 천장은 주인이 스튜디오에서 가져온 듯한 흡음 패널을 덧대어 놓은 상태였다. 스피커는 빈티지 알텍 랜싱 모델로, 어느 정도 저항이 있는 공간이 필요하거나 그렇지 않으면 음이 너무 퍼지는 종류였다. 그 방에서 반 겔더 컷의 중저음은 엘빈 존스의 드럼 키트가 앙상블의 혼융에 묻히지 않도록 충분히 정확한 정의를 가지고 울려 퍼졌다. 나는 양면을 다 듣는 동안 자리에서 움직이지 않고 앉아 있었는데, 이는 평소에 꼼짝 않지 않는 사람이 아님을 감안해 언급하는 것이다.

이 음반을 구하려 한다면, 바이닐의 상태가 가장 중요합니다. 1966년에 *Ascension*은 가벼운 마음으로 구매할 수 있는 음반이 아니었고, 파티에서 틀어지지도 않았기 때문에, 현재까지 남아 있는 많은 사본들은 조심스럽게 다뤄졌습니다. 재킷은 별개의 문제입니다. 오리지널 AS-95의 게이트폴드 안쪽에는 촘촘하고 크림색의 라이너 노트가 있는데, 재킷이 열이나 빛에 보관되면 심하게 누렇게 변색됩니다. 안쪽이 갈변해도 음반 자체에는 영향을 미치지 않지만 가격은 떨어지므로, 예산이 넉넉지 않은 상태에서 구매한다면 이 점이 유용할 수 있습니다. 이 시기 Impulse! 음반의 모노 사본도 존재하지만, *Ascension*은 스테레오로만 발매되었기 때문에 누군가 모노 프레싱을 제안한다면 그냥 거절하세요.

그 음반은 내가 있는 공간을 주목하게 해줬다. 추상적인 의미가 아니라 말 그대로: 같은 음반이라도 다른 시스템, 다른 공간, 다른 깨달음을 준다. 그것이 특정 프레싱이 하는 일이며, 스트리밍 파일이 할 수 없는 일이다. 그것은 고정된 소리를 가진 고정된 사물이며, 변수는 그 주변의 모든 것이다.

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필라델피아의 소리, 시스템의 소리: 덱스터 완셀과 소울의 건축학

필라델피아 인터내셔널 레코드(PIR)의 황금기를 거쳐 간 수많은 아티스트들 중에서도 덱스터 완셀은 유독 독특한 위치를 차지한다. 작곡가이자 편곡가, 프로듀서이자 퍼포머로서 그는 70년대 소울과 R&B의 지형을 형성하는 데 결정적인 역할을 했으면서도, 그 공로에 걸맞은 인정을 받지 못한 채 오랫동안 역사의 그늘 속에 머물러 왔다. 그의 이름은 크레딧란의 작은 글씨 속에 묻혀 있었고, 그의 음악은 수십 년이 지난 뒤에야 비로소 재조명되기 시작했다.

완셀의 음악 세계를 이해하려면 먼저 PIR이라는 거대한 기계를 이해해야 한다. 케니 갬블과 레온 허프가 설립한 이 레이블은 단순한 음반사가 아니었다. 그것은 하나의 사운드를 공장처럼 생산해내는 정교한 시스템이었다. MFSB라는 세션 뮤지션 집단이 그 심장부에서 쉼 없이 뛰고 있었고, 그 안에서 완셀은 건반 앞에 앉아 오케스트라와 리듬 섹션, 그리고 신시사이저 사이의 간극을 메워나갔다. 그는 이 시스템의 부품이 되기를 거부하는 동시에, 그 시스템이 가장 아름답게 작동할 수 있도록 스스로를 그 안에 녹여냈다.

**우주적 소울의 발명**

완셀이 솔로 아티스트로서 남긴 작업들은 그의 진면목을 가장 선명하게 드러낸다. 1976년 발표된 데뷔 앨범 『Life on Mars』는 제목부터가 하나의 선언이었다. 당시 소울 음악이 여전히 지상의 언어—사랑과 이별, 투쟁과 저항—를 주로 말하고 있을 때, 완셀은 시선을 우주로 돌렸다. 그러나 그것은 현실 도피가 아니었다. 오히려 지구의 고통을 우주적 스케일로 확장하여 바라보는 시도였다. 신시사이저의 차갑고 광활한 질감 위에 현악의 따뜻한 온기를 얹는 그의 방식은, 인간적인 것과 기계적인 것 사이의 경계를 의도적으로 흐릿하게 만들었다.

이듬해 발표된 『Planets of Life』와 1978년의 『Time Is Slipping Away』는 이 방향성을 더욱 깊이 밀어붙였다. 특히 "Life on Mars"와 "Theme from the Planets"는 훗날 힙합 프로듀서들에게 집중적으로 샘플링되며 새로운 생명을 얻었다. 피트 록, 제이 딜라, 노토리어스 B.I.G.의 프로덕션 팀에 이르기까지, 완셀의 멜로디 라인과 리듬 구조는 90년대 동부 해안 힙합의 DNA 깊숙이 새겨졌다. 이는 단순한 우연이 아니었다. 완셀의 음악에는 루프로 잘라내어 반복해도 그 아름다움이 소멸되지 않는 구조적 견고함이 있었다.

**MFSB와 집단적 창조의 윤리**

완셀 개인의 천재성을 이야기하면서도 우리는 MFSB라는 집단적 맥락을 놓쳐서는 안 된다. "Mother Father Sister Brother"의 약자인 MFSB는 단순한 스튜디오 밴드가 아니라 하나의 공동체였다. 그들은 갬블과 허프의 지휘 아래 수백 장의 앨범과 싱글에 참여했고, 개별 크레딧 없이 집단의 이름 아래 녹아들었다. 완셀은 이 구조 안에서 자신의 목소리를 잃지 않으면서도 타인의 음악을 빛나게 만드는 법을 터득했다.

테디 펜더그래스, 루 롤스, 빌리 폴, 오제이즈—이들의 대표작 뒤에는 완셀의 손길이 닿아 있다. 그는 가수의 개성을 지우지 않으면서도 노래 전체의 건축적 구조를 설계하는 역할을 맡았다. 편곡이란 결국 보이지 않는 곳에서 모든 것을 가능하게 만드는 일이다. 완셀은 그 보이지 않는 자리에서 오랫동안 필라델피아 소울의 기둥을 세워왔다.

**잊혀진 자의 귀환**

완셀이 다시 주목받기 시작한 것은 아이러니하게도 그의 음악을 샘플링한 힙합 트랙들이 차트를 석권하면서부터였다. 원작자는 잊혔지만 그 원작이 낳은 자식들은 전 세계에서 울려 퍼졌다. 이 역설은 블랙 음악의 역사에서 반복되어온 비극적인 패턴의 또 다른 변주였다. 창조자는 지워지고, 창조물은 다른 맥락에서 소비된다.

그러나 완셀의 경우, 이 과정은 결국 재발견으로 이어졌다. 레코드 컬렉터들과 음악 저널리스트들이 샘플의 출처를 추적하기 시작했고, 그의 솔로 앨범들은 고가의 희귀반으로 거래되기 시작했다. 2000년대 이후 재발매된 그의 앨범들은 새로운 세대의 청자들에게 닿았고, 그제야 완셀은 자신이 마땅히 받았어야 할 자리로 조금씩 걸어 들어올 수 있었다.

**소울의 건축가**

덱스터 완셀을 단순히 PIR의 세션맨이나 샘플링의 원천으로만 규정하는 것은 그를 두 번 지우는 일이다. 그는 필라델피아 소울이라는 거대한 건물의 보이지 않는 뼈대를 설계한 건축가였다. 신시사이저와 오케스트라, 리듬과 멜로디, 지구와 우주—그는 이 모든 대립쌍 사이에서 다리를 놓았다. 그의 음악은 특정 시대의 산물이면서도, 어떤 시대에도 속하지 않는 시간 초월적인 무언가를 향해 끊임없이 손을 뻗는다.

필라델피아의 소리는 곧 시스템의 소리였다. 그리고 그 시스템의 가장 섬세한 부분을, 가장 조용하고 가장 깊은 곳에서 작동시킨 사람이 덱스터 완셀이었다.
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필라델피아의 소리, 시스템의 소리: 덱스터 완셀과 소울의 건축학 필라델피아 인터내셔널 레코드(PIR)의 황금기를 거쳐 간 수많은 아티스트들 중에서도 덱스터 완셀은 유독 독특한 위치를 차지한다. 작곡가이자 편곡가, 프로듀서이자 퍼포머로서 그는 70년대 소울과 R&B의 지형을 형성하는 데 결정적인 역할을 했으면서도, 그 공로에 걸맞은 인정을 받지 못한 채 오랫동안 역사의 그늘 속에 머물러 왔다. 그의 이름은 크레딧란의 작은 글씨 속에 묻혀 있었고, 그의 음악은 수십 년이 지난 뒤에야 비로소 재조명되기 시작했다. 완셀의 음악 세계를 이해하려면 먼저 PIR이라는 거대한 기계를 이해해야 한다. 케니 갬블과 레온 허프가 설립한 이 레이블은 단순한 음반사가 아니었다. 그것은 하나의 사운드를 공장처럼 생산해내는 정교한 시스템이었다. MFSB라는 세션 뮤지션 집단이 그 심장부에서 쉼 없이 뛰고 있었고, 그 안에서 완셀은 건반 앞에 앉아 오케스트라와 리듬 섹션, 그리고 신시사이저 사이의 간극을 메워나갔다. 그는 이 시스템의 부품이 되기를 거부하는 동시에, 그 시스템이 가장 아름답게 작동할 수 있도록 스스로를 그 안에 녹여냈다. **우주적 소울의 발명** 완셀이 솔로 아티스트로서 남긴 작업들은 그의 진면목을 가장 선명하게 드러낸다. 1976년 발표된 데뷔 앨범 『Life on Mars』는 제목부터가 하나의 선언이었다. 당시 소울 음악이 여전히 지상의 언어—사랑과 이별, 투쟁과 저항—를 주로 말하고 있을 때, 완셀은 시선을 우주로 돌렸다. 그러나 그것은 현실 도피가 아니었다. 오히려 지구의 고통을 우주적 스케일로 확장하여 바라보는 시도였다. 신시사이저의 차갑고 광활한 질감 위에 현악의 따뜻한 온기를 얹는 그의 방식은, 인간적인 것과 기계적인 것 사이의 경계를 의도적으로 흐릿하게 만들었다. 이듬해 발표된 『Planets of Life』와 1978년의 『Time Is Slipping Away』는 이 방향성을 더욱 깊이 밀어붙였다. 특히 "Life on Mars"와 "Theme from the Planets"는 훗날 힙합 프로듀서들에게 집중적으로 샘플링되며 새로운 생명을 얻었다. 피트 록, 제이 딜라, 노토리어스 B.I.G.의 프로덕션 팀에 이르기까지, 완셀의 멜로디 라인과 리듬 구조는 90년대 동부 해안 힙합의 DNA 깊숙이 새겨졌다. 이는 단순한 우연이 아니었다. 완셀의 음악에는 루프로 잘라내어 반복해도 그 아름다움이 소멸되지 않는 구조적 견고함이 있었다. **MFSB와 집단적 창조의 윤리** 완셀 개인의 천재성을 이야기하면서도 우리는 MFSB라는 집단적 맥락을 놓쳐서는 안 된다. "Mother Father Sister Brother"의 약자인 MFSB는 단순한 스튜디오 밴드가 아니라 하나의 공동체였다. 그들은 갬블과 허프의 지휘 아래 수백 장의 앨범과 싱글에 참여했고, 개별 크레딧 없이 집단의 이름 아래 녹아들었다. 완셀은 이 구조 안에서 자신의 목소리를 잃지 않으면서도 타인의 음악을 빛나게 만드는 법을 터득했다. 테디 펜더그래스, 루 롤스, 빌리 폴, 오제이즈—이들의 대표작 뒤에는 완셀의 손길이 닿아 있다. 그는 가수의 개성을 지우지 않으면서도 노래 전체의 건축적 구조를 설계하는 역할을 맡았다. 편곡이란 결국 보이지 않는 곳에서 모든 것을 가능하게 만드는 일이다. 완셀은 그 보이지 않는 자리에서 오랫동안 필라델피아 소울의 기둥을 세워왔다. **잊혀진 자의 귀환** 완셀이 다시 주목받기 시작한 것은 아이러니하게도 그의 음악을 샘플링한 힙합 트랙들이 차트를 석권하면서부터였다. 원작자는 잊혔지만 그 원작이 낳은 자식들은 전 세계에서 울려 퍼졌다. 이 역설은 블랙 음악의 역사에서 반복되어온 비극적인 패턴의 또 다른 변주였다. 창조자는 지워지고, 창조물은 다른 맥락에서 소비된다. 그러나 완셀의 경우, 이 과정은 결국 재발견으로 이어졌다. 레코드 컬렉터들과 음악 저널리스트들이 샘플의 출처를 추적하기 시작했고, 그의 솔로 앨범들은 고가의 희귀반으로 거래되기 시작했다. 2000년대 이후 재발매된 그의 앨범들은 새로운 세대의 청자들에게 닿았고, 그제야 완셀은 자신이 마땅히 받았어야 할 자리로 조금씩 걸어 들어올 수 있었다. **소울의 건축가** 덱스터 완셀을 단순히 PIR의 세션맨이나 샘플링의 원천으로만 규정하는 것은 그를 두 번 지우는 일이다. 그는 필라델피아 소울이라는 거대한 건물의 보이지 않는 뼈대를 설계한 건축가였다. 신시사이저와 오케스트라, 리듬과 멜로디, 지구와 우주—그는 이 모든 대립쌍 사이에서 다리를 놓았다. 그의 음악은 특정 시대의 산물이면서도, 어떤 시대에도 속하지 않는 시간 초월적인 무언가를 향해 끊임없이 손을 뻗는다. 필라델피아의 소리는 곧 시스템의 소리였다. 그리고 그 시스템의 가장 섬세한 부분을, 가장 조용하고 가장 깊은 곳에서 작동시킨 사람이 덱스터 완셀이었다.

덱스터 완셀은 필라델피아 사운드를 내부에서 직접 구축하는 데 일조했다 — 소울 음악 역사상 가장 야심찬 집단적 프로젝트 중 하나를 뒤에서 조용히 이끈 작곡가이자 설계자였다.

2026년 6월 5일

움직일 수 있는 권리: 배드 버니와 라틴 아티스트의 문화적 영역 재협상

배드 버니는 모순처럼 보인다. 그는 세계에서 가장 많이 스트리밍되는 아티스트 중 한 명이면서도, 자신의 음악을 영어로 녹음하라는 압박을 일관되게 거부해왔다. 그는 슈퍼볼 하프타임 쇼 무대에 섰지만, 주류 팝 시장에 영합하는 것을 거부했다. 그는 레게톤을 글로벌 현상으로 끌어올렸지만, 동시에 그 장르의 경계를 허물었다. 그런데 이것이 과연 모순일까, 아니면 치밀하게 계산된 문화적 전략일까?

이 질문은 단순히 한 아티스트의 커리어를 넘어서는 의미를 지닌다. 배드 버니의 행보는 라틴 아티스트들이 글로벌 음악 시장에서 어떤 조건으로 존재할 수 있는지를 둘러싼 오래된 협상의 역사와 맞닿아 있기 때문이다. 그리고 그 역사를 이해하지 않고서는, 그가 왜 지금 이토록 중요한지를 제대로 파악할 수 없다.

**크로스오버의 신화**

라틴 아티스트가 미국 주류 시장에서 성공을 거두는 방식은 오랫동안 하나의 공식처럼 굳어져 있었다. 이른바 '크로스오버'라 불리는 이 공식은 단순히 음악적 혼합을 의미하는 것이 아니었다. 그것은 일종의 문화적 거래였다. 스페인어를 줄이거나 없애고, 영어 앨범을 발표하고, 미국 시장이 소화하기 쉬운 방식으로 자신의 정체성을 재포장하는 것. 성공의 대가로 출신을 희석시키는 것이 불문율처럼 작동했다.

1990년대 후반, 리키 마틴과 마크 앤서니, 제니퍼 로페즈가 이끈 이른바 '라틴 팝 폭발(Latin Pop Explosion)'은 이 공식의 절정이었다. 리키 마틴의 "Livin' la Vida Loca"는 라틴 음악이 미국 팝 차트를 정복할 수 있다는 것을 증명했지만, 그것은 영어로 불린 노래였다. 마크 앤서니는 살사의 대가였지만, 그의 첫 번째 대형 성공작은 영어 팝 앨범이었다. 시장이 원하는 것은 라틴의 '향기'였지, 라틴의 '언어'가 아니었다.

이 시대의 논리는 명확했다. 라틴 아티스트는 이국적인 매력을 제공하되, 언어적 장벽은 제거해야 했다. 문화적 정체성은 상품화될 수 있었지만, 그것이 접근성을 방해해서는 안 됐다. 달리 말하면, 라틴다움은 허용됐지만 그것은 번역되고 희석된 형태여야 했다.

물론 예외는 있었다. 셀레나는 스페인어로 노래하며 텍사스와 멕시코 국경 지대의 문화적 복잡성을 온전히 담아낸 채 미국에서 거대한 팬덤을 구축했다. 그러나 그녀의 주류 돌파는 비극적인 죽음 이후에야 완성됐고, 살아있는 동안 그녀는 여전히 영어 앨범을 준비하고 있었다. 시장의 논리는 그녀에게도 예외를 두지 않으려 했다.

**스트리밍이 바꾼 것들**

배드 버니가 등장한 2010년대 후반은 음악 산업의 구조 자체가 변하고 있던 시기였다. 스트리밍 플랫폼의 부상은 단순히 음악을 소비하는 방식을 바꾼 것이 아니라, 누가 무엇을 들을 수 있는지를 결정하는 게이트키퍼의 역할을 약화시켰다. 라디오 방송국, 음반사의 홍보팀, 음악 전문 채널이 쥐고 있던 권력이 알고리즘과 플레이리스트 편집자들에게로 이동했고, 그 과정에서 지리적·언어적 경계가 흐려지기 시작했다.

스페인어 음악은 이미 세계적으로 거대한 시장을 형성하고 있었다. 스페인어는 세계에서 두 번째로 많은 원어민 화자를 보유한 언어이며, 미국 내 히스패닉 인구는 전체 인구의 약 19%에 달한다. 하지만 음악 산업은 이 현실을 제대로 반영하지 못하고 있었다. 주류 팝 시장은 여전히 영어 중심이었고, 스페인어 음악은 '라틴' 카테고리에 별도로 분류되어 메인스트림과 구분됐다.

레게톤은 이 구조에 균열을 내기 시작했다. 다디 양키의 "Gasolina"(2004)가 클럽 문화를 통해 언어 장벽을 넘어 퍼져나갔고, 루이스 폰시와 다디 양키의 "Despacito"(2017)는 스포티파이 역사상 가장 많이 스트리밍된 곡 중 하나가 됐다. 하지만 아이러니하게도, "Despacito"가 진정한 글로벌 히트가 되는 데는 저스틴 비버의 영어 리믹스 버전이 결정적인 역할을 했다. 여전히 영어라는 언어는 글로벌 접근성의 열쇠처럼 작동하고 있었다.

배드 버니는 이 맥락 속에서 등장했다. 그런데 그는 다른 선택을 했다.

**번역을 거부하는 것의 의미**

후안 헤라르도 루이스 아르셀라는 1994년 푸에르토리코 산후안 근처의 베가 바하에서 태어났다. 배드 버니라는 예명으로 활동하는 그는 슈퍼마켓에서 봉투를 포장하는 아르바이트를 하면서 사운드클라우드에 음악을 올리기 시작했고, 2016년 "Diles"가 바이럴되면서 음악 산업의 주목을 받았다. 그의 초기 음악은 트랩과 레게톤의 혼합이었으며, 처음부터 전적으로 스페인어로 만들어졌다.

배드 버니가 주목받기 시작했을 때, 그에게도 영어 음악을 만들라는 압박이 있었다는 것은 공공연한 사실이다. 그는 이를 거부했다. 그런데 그의 거부는 단순한 고집이 아니었다. 그것은 일종의 선언이었다.

"나는 내 언어로 노래한다. 이것이 나다." 그는 여러 인터뷰에서 이 입장을 반복해서 밝혔다. 하지만 더 중요한 것은 그가 말로만 이 입장을 취한 것이 아니라, 실제로 그것을 실천했다는 점이다. 2022년 앨범 'Un Verano Sin Ti'는 스트리밍 역사상 가장 많이 재생된 앨범 중 하나가 됐다. 그래미 올해의 앨범상 후보에 오른 최초의 스페인어 앨범이기도 했다. 그 앨범에는 영어 가사가 거의 없었다.

이것이 의미하는 바는 무엇인가? 글로벌 음악 시장이 마침내 번역 없이도 스페인어 음악을 받아들일 준비가 됐다는 것인가? 아니면 배드 버니라는 특정 아티스트의 카리스마와 음악적 탁월함이 언어 장벽을 극복하게 만든 것인가? 아마도 둘 다일 것이다. 하지만 그 두 가지 설명 모두 더 근본적인 무언가를 가리키고 있다. 음악에서 '접근성'의 개념 자체가 변하고 있다는 것.

**장르를 넘나드는 것의 정치학**

배드 버니의 문화적 전략에서 또 하나의 핵심은 그의 장르 유동성이다. 그는 레게톤을 기반으로 하지만, 거기에 머물지 않는다. 트랩, 볼레로, 살사, 메렝게, 록, 팝, 심지어 인디 포크의 요소들이 그의 음악 안에서 공존한다. 'Un Verano Sin Ti'는 카리브해 음악의 다양한 전통을 하나의 앨범 안에 녹여낸 야심 찬 작업이었고, 비평가들은 이를 개인적인 향수와 집단적인 문화 정체성의 기록으로 읽었다.

그런데 이 장르적 유동성은 단순한 실험 정신의 발현이 아니다. 그것은 특정한 문화적 주장을 담고 있다. 라틴 음악을 단일한 장르나 스타일로 환원하는 것을 거부하는 것, 그것이 '레게톤=라틴 음악'이라는 등식을 강요하는 외부의 시선에 대한 저항이다.

미국의 주류 음악 산업은 라틴 음악을 종종 단일한 카테고리로 취급한다. 그래미 어워드의 '라틴 팝' 또는 '라틴 어반' 카테고리는 실제로는 엄청나게 다양한 지역적, 스타일적 전통을 하나로 묶는다. 쿠바의 살사와 콜롬비아의 쿰비아와 아르헨티나의 탱고와 푸에르토리코의 레게톤이 모두 '라틴 음악'이라는 하나의 박스에 넣어진다. 이는 편의를 위한 분류이지만, 동시에 그것은 이 음악들의 구체적인 역사와 문화적 맥락을 지워버리는 효과를 낳는다.

배드 버니가 카리브해의 다양한 음악적 전통들을 자신의 작업 안에 가져올 때, 그는 이 단순화에 저항하고 있다. 그는 라틴 음악의 다양성과 복잡성을 주장하고 있다. 그리고 그는 이것을 학술적인 주장이 아니라 음악 자체를 통해 하고 있다.

**몸의 정치학: 젠더와 섹슈얼리티**

배드 버니의 문화적 전략에서 가장 급진적인 측면 중 하나는 젠더와 섹슈얼리티에 대한 그의 접근 방식이다. 그는 페미니스트적 입장을 공개적으로 밝혀왔고, 여성에 대한 폭력을 비판하는 작업을 해왔다. 2020년 그는 푸에르토리코에서 여성 살해(femicide)에 항의하는 시위에 참여했고, 자신의 투어 동안 피살된 여성들의 사진을 담은 공식 영상을 선보였다.

그런데 더 주목할 만한 것은 그의 젠더 표현이다. 그는 스커트를 입고, 매니큐어를 바르고, 전통적으로 여성적이라고 여겨지는 패션 요소들을 거리낌 없이 채택한다. 이는 마초이즘의 문화가 강하게 남아있는 라틴 음악 씬에서, 특히 레게톤이라는 장르
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움직일 수 있는 권리: 배드 버니와 라틴 아티스트의 문화적 영역 재협상 배드 버니는 모순처럼 보인다. 그는 세계에서 가장 많이 스트리밍되는 아티스트 중 한 명이면서도, 자신의 음악을 영어로 녹음하라는 압박을 일관되게 거부해왔다. 그는 슈퍼볼 하프타임 쇼 무대에 섰지만, 주류 팝 시장에 영합하는 것을 거부했다. 그는 레게톤을 글로벌 현상으로 끌어올렸지만, 동시에 그 장르의 경계를 허물었다. 그런데 이것이 과연 모순일까, 아니면 치밀하게 계산된 문화적 전략일까? 이 질문은 단순히 한 아티스트의 커리어를 넘어서는 의미를 지닌다. 배드 버니의 행보는 라틴 아티스트들이 글로벌 음악 시장에서 어떤 조건으로 존재할 수 있는지를 둘러싼 오래된 협상의 역사와 맞닿아 있기 때문이다. 그리고 그 역사를 이해하지 않고서는, 그가 왜 지금 이토록 중요한지를 제대로 파악할 수 없다. **크로스오버의 신화** 라틴 아티스트가 미국 주류 시장에서 성공을 거두는 방식은 오랫동안 하나의 공식처럼 굳어져 있었다. 이른바 '크로스오버'라 불리는 이 공식은 단순히 음악적 혼합을 의미하는 것이 아니었다. 그것은 일종의 문화적 거래였다. 스페인어를 줄이거나 없애고, 영어 앨범을 발표하고, 미국 시장이 소화하기 쉬운 방식으로 자신의 정체성을 재포장하는 것. 성공의 대가로 출신을 희석시키는 것이 불문율처럼 작동했다. 1990년대 후반, 리키 마틴과 마크 앤서니, 제니퍼 로페즈가 이끈 이른바 '라틴 팝 폭발(Latin Pop Explosion)'은 이 공식의 절정이었다. 리키 마틴의 "Livin' la Vida Loca"는 라틴 음악이 미국 팝 차트를 정복할 수 있다는 것을 증명했지만, 그것은 영어로 불린 노래였다. 마크 앤서니는 살사의 대가였지만, 그의 첫 번째 대형 성공작은 영어 팝 앨범이었다. 시장이 원하는 것은 라틴의 '향기'였지, 라틴의 '언어'가 아니었다. 이 시대의 논리는 명확했다. 라틴 아티스트는 이국적인 매력을 제공하되, 언어적 장벽은 제거해야 했다. 문화적 정체성은 상품화될 수 있었지만, 그것이 접근성을 방해해서는 안 됐다. 달리 말하면, 라틴다움은 허용됐지만 그것은 번역되고 희석된 형태여야 했다. 물론 예외는 있었다. 셀레나는 스페인어로 노래하며 텍사스와 멕시코 국경 지대의 문화적 복잡성을 온전히 담아낸 채 미국에서 거대한 팬덤을 구축했다. 그러나 그녀의 주류 돌파는 비극적인 죽음 이후에야 완성됐고, 살아있는 동안 그녀는 여전히 영어 앨범을 준비하고 있었다. 시장의 논리는 그녀에게도 예외를 두지 않으려 했다. **스트리밍이 바꾼 것들** 배드 버니가 등장한 2010년대 후반은 음악 산업의 구조 자체가 변하고 있던 시기였다. 스트리밍 플랫폼의 부상은 단순히 음악을 소비하는 방식을 바꾼 것이 아니라, 누가 무엇을 들을 수 있는지를 결정하는 게이트키퍼의 역할을 약화시켰다. 라디오 방송국, 음반사의 홍보팀, 음악 전문 채널이 쥐고 있던 권력이 알고리즘과 플레이리스트 편집자들에게로 이동했고, 그 과정에서 지리적·언어적 경계가 흐려지기 시작했다. 스페인어 음악은 이미 세계적으로 거대한 시장을 형성하고 있었다. 스페인어는 세계에서 두 번째로 많은 원어민 화자를 보유한 언어이며, 미국 내 히스패닉 인구는 전체 인구의 약 19%에 달한다. 하지만 음악 산업은 이 현실을 제대로 반영하지 못하고 있었다. 주류 팝 시장은 여전히 영어 중심이었고, 스페인어 음악은 '라틴' 카테고리에 별도로 분류되어 메인스트림과 구분됐다. 레게톤은 이 구조에 균열을 내기 시작했다. 다디 양키의 "Gasolina"(2004)가 클럽 문화를 통해 언어 장벽을 넘어 퍼져나갔고, 루이스 폰시와 다디 양키의 "Despacito"(2017)는 스포티파이 역사상 가장 많이 스트리밍된 곡 중 하나가 됐다. 하지만 아이러니하게도, "Despacito"가 진정한 글로벌 히트가 되는 데는 저스틴 비버의 영어 리믹스 버전이 결정적인 역할을 했다. 여전히 영어라는 언어는 글로벌 접근성의 열쇠처럼 작동하고 있었다. 배드 버니는 이 맥락 속에서 등장했다. 그런데 그는 다른 선택을 했다. **번역을 거부하는 것의 의미** 후안 헤라르도 루이스 아르셀라는 1994년 푸에르토리코 산후안 근처의 베가 바하에서 태어났다. 배드 버니라는 예명으로 활동하는 그는 슈퍼마켓에서 봉투를 포장하는 아르바이트를 하면서 사운드클라우드에 음악을 올리기 시작했고, 2016년 "Diles"가 바이럴되면서 음악 산업의 주목을 받았다. 그의 초기 음악은 트랩과 레게톤의 혼합이었으며, 처음부터 전적으로 스페인어로 만들어졌다. 배드 버니가 주목받기 시작했을 때, 그에게도 영어 음악을 만들라는 압박이 있었다는 것은 공공연한 사실이다. 그는 이를 거부했다. 그런데 그의 거부는 단순한 고집이 아니었다. 그것은 일종의 선언이었다. "나는 내 언어로 노래한다. 이것이 나다." 그는 여러 인터뷰에서 이 입장을 반복해서 밝혔다. 하지만 더 중요한 것은 그가 말로만 이 입장을 취한 것이 아니라, 실제로 그것을 실천했다는 점이다. 2022년 앨범 'Un Verano Sin Ti'는 스트리밍 역사상 가장 많이 재생된 앨범 중 하나가 됐다. 그래미 올해의 앨범상 후보에 오른 최초의 스페인어 앨범이기도 했다. 그 앨범에는 영어 가사가 거의 없었다. 이것이 의미하는 바는 무엇인가? 글로벌 음악 시장이 마침내 번역 없이도 스페인어 음악을 받아들일 준비가 됐다는 것인가? 아니면 배드 버니라는 특정 아티스트의 카리스마와 음악적 탁월함이 언어 장벽을 극복하게 만든 것인가? 아마도 둘 다일 것이다. 하지만 그 두 가지 설명 모두 더 근본적인 무언가를 가리키고 있다. 음악에서 '접근성'의 개념 자체가 변하고 있다는 것. **장르를 넘나드는 것의 정치학** 배드 버니의 문화적 전략에서 또 하나의 핵심은 그의 장르 유동성이다. 그는 레게톤을 기반으로 하지만, 거기에 머물지 않는다. 트랩, 볼레로, 살사, 메렝게, 록, 팝, 심지어 인디 포크의 요소들이 그의 음악 안에서 공존한다. 'Un Verano Sin Ti'는 카리브해 음악의 다양한 전통을 하나의 앨범 안에 녹여낸 야심 찬 작업이었고, 비평가들은 이를 개인적인 향수와 집단적인 문화 정체성의 기록으로 읽었다. 그런데 이 장르적 유동성은 단순한 실험 정신의 발현이 아니다. 그것은 특정한 문화적 주장을 담고 있다. 라틴 음악을 단일한 장르나 스타일로 환원하는 것을 거부하는 것, 그것이 '레게톤=라틴 음악'이라는 등식을 강요하는 외부의 시선에 대한 저항이다. 미국의 주류 음악 산업은 라틴 음악을 종종 단일한 카테고리로 취급한다. 그래미 어워드의 '라틴 팝' 또는 '라틴 어반' 카테고리는 실제로는 엄청나게 다양한 지역적, 스타일적 전통을 하나로 묶는다. 쿠바의 살사와 콜롬비아의 쿰비아와 아르헨티나의 탱고와 푸에르토리코의 레게톤이 모두 '라틴 음악'이라는 하나의 박스에 넣어진다. 이는 편의를 위한 분류이지만, 동시에 그것은 이 음악들의 구체적인 역사와 문화적 맥락을 지워버리는 효과를 낳는다. 배드 버니가 카리브해의 다양한 음악적 전통들을 자신의 작업 안에 가져올 때, 그는 이 단순화에 저항하고 있다. 그는 라틴 음악의 다양성과 복잡성을 주장하고 있다. 그리고 그는 이것을 학술적인 주장이 아니라 음악 자체를 통해 하고 있다. **몸의 정치학: 젠더와 섹슈얼리티** 배드 버니의 문화적 전략에서 가장 급진적인 측면 중 하나는 젠더와 섹슈얼리티에 대한 그의 접근 방식이다. 그는 페미니스트적 입장을 공개적으로 밝혀왔고, 여성에 대한 폭력을 비판하는 작업을 해왔다. 2020년 그는 푸에르토리코에서 여성 살해(femicide)에 항의하는 시위에 참여했고, 자신의 투어 동안 피살된 여성들의 사진을 담은 공식 영상을 선보였다. 그런데 더 주목할 만한 것은 그의 젠더 표현이다. 그는 스커트를 입고, 매니큐어를 바르고, 전통적으로 여성적이라고 여겨지는 패션 요소들을 거리낌 없이 채택한다. 이는 마초이즘의 문화가 강하게 남아있는 라틴 음악 씬에서, 특히 레게톤이라는 장르

배드 버니는 동화(同化) 계약을 거부하고, 푸에르토리코인으로서의 정체성을 포기하지 않은 채 패션, 영화 등 다양한 분야로 영역을 확장하며 라틴 아티스트들을 위한 새로운 규칙을 써 내려갔다.

2026년 6월 4일